- Collinarea Festival, al Castello di Lari e dintorni fino al 31 luglio spettacoli e laboratori nello splendido scenario della città delle ciliegie, tutti a cielo aperto: stasera 23 luglio il delirio provocatorio e irrefrenabile di Antonio Rezza in IO, domani (24/7) Mi sente la vita da morì, della compagnia dei giovani e simpaticissimi Sindaci dei paesi limitrofi. E ancora, la compagnia emergente Le Biglie,vincitrice del concorso Anteprime, in scena con Legàmi (26/7); il nuovo studio della compagnia di Emma Dante per La Trilogia degli occhiali (30/7), gli spettacoli di Scenica Frammenti che cura la direzione artistica del festival; la serata finale Inarea con spettacoli e concerti in tutto il borgo di Palaia, con Bobo Rondelli (31/7)
www.collinarea.it
- Nicosia. Storie, Leggende e Misteri, a cura dell’Ass.ne Nicosia Nostra di Calci, letture immagini e profumi per preservare l’antico convento, la sera del 24 luglio dalle 21
www.nicosianostra.it

- Antroporti, rassegna a cura del Teatro del Tè, per i paesi del Lungomonte, fino al 29 agosto
www.teatrodelte.com
- Sconfinando – Festival Internazionale di Musiche & Suoni dal Mondo, a Sarzana fino al 2 agosto: tra i molti ospiti, il prestigiatore Arturo Brachetti (2 /8) e musicisti world music
www.sconfinandosarzana.it
- dal 28 luglio Estate a Radicondoli, festival a cura di Gabriele Rizza, che raccoglie l’eredità di Nico Garrone e rilancia un festival di “Tracce e intrecci”, per un teatro militante e e non omologato. Ospiti: Dario Marconcini e Alessio Pizzech (Coco di Koltès), Cantieri Koreja (Doctor Frankenstein), Egumteatro (Quanto mi piace uccidere), Michele Di Mauro (Enrico 4), Fulvio Cauteruccio e Andrea Cosentino che presentano le loro ultime fatiche, il Troski dei livornesi Edgarluve, il teatro danza di Ambra Senatore (Passo), il nuovo teatro ragazzi del Teatro Persona (Il principe mezzanotte), e molti altri
www.radicondoliarte.org
- per un week end fuori porta, il Teatro Povero di Monticchiello (Siena) propone quest’anno nello scenario incredibile di un paese-teatro con abitanti-attori il nuovo Volo precario, tra denuncia e volontà di riscatto, dal 24 luglio al 14 agosto
www.teatropovero.it

E quindi uscimmo a riveder le stelle
Con ROBERTO BENIGNI IN TUTTO DANTE – INFERNO XXXIII
Il 31 luglio alle 21.30 presso l’Arena Mario Incisa della Rocchetta – CASTAGNETO CARDUCCI (biglietti da 60 a 30 euro)

Sono passati diversi giorni da quando José Saramago se ne è andato e non abbiamo certo pretesa di darne notizia. Queste righe hanno la sola velleità di essere il ricordo di uno scrittore immenso che con la sua scomparsa ha lasciato un vuoto incolmabile nel mondo della letteratura contemporanea. Il pubblico del Teatro di Pisa lo aveva ben presente, aldilà della sua fama di romanziere, da quando alcuni anni fa la nostra Stagione di Prosa aveva ospitato un adattamento per il palcoscenico del romanzo Cecità (Ensaio sobre a Cegueira, 1995), uno dei capolavori di colui che nel 1998 è stato il primo e tuttora unico autore portoghese a vincere il Premio Nobel per la Letteratura.

José de Sousa Saramago, scrittore, poeta e critico letterario, nacque ad Azinhaga, in Portogallo, nel 1922. Trasferitosi a Lisbona con la famiglia due anni dopo, trascorse nella capitale gli anni della giovinezza tra le difficoltà economiche che lo costrinsero all’abbandono degli studi tecnici. Trovato un impiego stabile nel campo dell’editoria, scrisse il suo primo romanzo nel 1947, quel Terra del peccato che in seguito ripudiò. Da subito venne considerato un autore scomodo. Fu tenace oppositore del dittatore Salazar, che lo ostacolò nello svolgimento dell’attività giornalistica. Si iscrisse al Partito Comunista portoghese nel ’69, al termine di un periodo in cui si affermò anche come critico letterario. Ateo dichiarato, si ritrovò in aperta polemica con la chiesa cattolica dopo la pubblicazione del romanzo Il Vangelo secondo Gesù Cristo, tanto che la situazione venutasi a creare lo spinse a lasciare il paese per trasferirsi alle Canarie. Mai lontano dal contraddittorio, in epoca più recente ha ricevuto perfino accuse di antisemitismo per l’interpretazione, da lui fermamente disconosciuta, di alcuni suoi commenti sul conflitto israelo-palestinese. Un autore che ha vissuto tra mille controversie, ma che ha trovato il giusto riconoscimento alla sua grandezza con il Nobel del ’98. Il suo stile, più che particolare, è unico. L’uso assolutamente non convenzionale della punteggiatura, i periodi interminabili e intervallati soltanto da virgole, sono il marchio di fabbrica usato per raccontare dalla sua personalissima prospettiva gli eventi che hanno fatto da sfondo alla figura umana con i suoi pregi e i suoi difetti. Harold Bloom lo ha definito “uno degli ultimi titani di un genere letterario in via di estinzione”. Il 18 giugno è morto per una leucemia cronica, ottantasettenne, in quelle isole Canarie che lo avevano accolto molti anni fa. Ultimamente, a breve distanza l’uno dall’altro, sono usciti in Italia i suoi ultimi due romanzi, Il viaggio dell’elefante e Caino, questo ancora sugli scaffali delle novità. Quelli che avrebbe potuto ancora scrivere non potremo che rimpiangerli per sempre.

A Prato lo spirito del laboratorio pervade tutto il Contemporanea festival, contenitore mobile e flessibile che dal 24 maggio al 1° giugno sperimenta ogni forma dell’arte scenica, esplorando un panorama decisamente inedito nella varietà di nomi nuovi o diversamente associati: il racconto di Anna Karenina con Marion D’Amburgo e Lucia Poli, e il Blind Lunch di Katia Giuliani, incontro al buio per due posti a tavola. La compagnia svizzera di Oskar Gomez Mata che esplora la solitudine dell’essere moderno attraverso formule matematiche, in Optimistic vs Pessimistic.
The Sandman, l’ospite imprevisto di Roberta Bosetti e Renato Cuocolo nelle case degli spettatori che hanno prenotato. Elementi di elettroacustica coroeografata, con Suono Corpo di Moto mimetico.

Tradizionalmente racchiusa nello spazio cunicolare di Officina giovani agli ex macelli di Prato, la sezione ALVEARI concentra la propria attenzione sul processo creativo, sull’opera in divenire, alla ricerca dei linguaggi della rappresentazione. Organizzati in due percorsi distinti, Volume I e Volume II, verranno presentate otto compagnie di recente formazione che hanno già incontrato l’attenzione del pubblico e della critica, e che rappresentano oggi lo sviluppo artistico e produttivo di una nuova generazione del panorama italiano ed europeo.
Tutti imperdibili per sguardi curiosi e attenti, in particolare segnaliamo Miha Erman Room with no echo, performance sonora e coreografica, il Requiem de La zampa, per 3 danzatori francesi e chitarra, How much fortune can we make? dei conclamati Anagoor, giovane compagnia veneta figlia della pittura del Giorgione e del Carpaccio, di grandissima sapienza figurativa, e infine gli interrogativi irrisolti (ma si possono risolvere?) dei Codice Ivan, compagnia fiorentina con innesto bolzanino, vincitori del Premio Scenario 2009, che ripropongono il loro universo d’ironia nichilista con Gmgs / Andiamo avanti

Finale esplosivo martedì 1° al Fabbricone: incontro e spettacolo in prima nazionale con l’ormai consacrato regista spagnolo Rodrigo Garcia: “Esto es asi y a mi no me jodáis”, con Melchior Derouet e Nuria Lloansi, irriverente arringa per attore cieco, per «un teatro di morti, con dei testi di morti, per un pubblico morto, senza anima».

Ogni sera dj set, parties, ristor’arte, diretta su Controradio e imprevisti all’Officina Giovani.
Biglietti da 10 a 0 euro, prenotazioni al Teatro Metastasio di Prato, tel 0574 608533 , reception@contemporaneafestival.it
http://ticka.metastasio.it

Senza soluzione di continuità, nel primo lungo week-on estivo, dal 2 giugno Metamorfosi a Cascina riafferma la sua natura pungolante: nella pagina cupa di barriere alla libertà d’informazione in Italia, si invitano artisti che rivendicano la libertà di esprimere un senso politico nel loro lavoro, a partire dai 3 progetti di laboratorio in programma.

“Storia di un’ utopia realizzata”, stage della durata di 4 giorni a cura del regista Armando Punzo, è un incontro con la sua metodologia teatrale sviluppata in oltre vent’anni di lavoro con i detenuti attori della Compagnia della Fortezza nel Carcere di Volterra, con l’ausilio di materiali video, di spettacoli e prove, avvierà un dialogo con i partecipanti, per stimolare, in maniera dinamica e critica, un processo creativo di gruppo.
“Il Teatro guarda la Vita” con Virginio Liberti è in assoluto la prima apertura di Egumteatro sulla propria grammatica creativa. Il seminario di 3 giorni  è di impostazione teorica, volto a ricostruire genesi, prove, debutto, repliche, e morte di uno spettacolo.
Più incentrato sulla pratica teatrale infine “La Voce nella dimensione Gestuale e Performativa”, laboratorio in 5 appuntamenti con Francesca Della Monica, per attori, cantanti, danzatori che abbiano necessità di mettere a punto le tecniche respiratorie e il loro impiego nell’emissione parlata e cantata; esaminare la gestualità vocale, l’estensione vocale, le diverse modalità dell’improvvisazione vocale individuale e collettiva.

Per il pubblico con meno tempo a disposizione, il calendario pomeridiano e serale.
4 gli spettacoli in rotazione tra mercoledì 2 e giovedì 3 giugno: Massimo Verdastro e Francesca Della Monaca presentano i primi 2 capitoli del progetto Satyricon, la poetica poliglotta di Enzo Moscato offre in esclusiva toscana il suo omaggio partenopeo ai personaggi di Antonin Artaud martire ribelle, il rinnovato e fortunato sodalizio tra i senesi Egumteatro e i fiorentini e più giovani Gogmagog torna al teatro di parola con “Quanto mi piace uccidere”, la compagnia residente di Sipario Toscana trae spunto da Jarry per il suo “Re nudo” e la metafora dell’inganno, mentre dal Teatro Rossini di Pontasserchio si apre la PARADA dei giocolieri di Bucarest.
Venerdì 4 e sabato 5 a Cascina il programma presenta invece, oltre alle nuove produzioni di Sipario Toscana e M’Arte, il lavoro del milanese Giulio Cavalli, attore sottoscorta per i suoi “Do ut des” e “A cento passi dal Duomo”, inchieste teatrali sulle infiltrazioni mafiose al nord, qui concentrato a ripercorrere il visionario testo di Dario Fo, “L’Apocalisse rimandata, ovvero benvenuta catastrofe”, scenario paradossale di un mondo che si riorganizza in forme semiprimordiali all’indomani del black out definitivo. Sabato sera headliner Moni Ovadia e il suo “Ebrei e Zingari”, e per chiudere un concerto (o buff’opera) dal Don Giovanni di Mozart per sole voci e onomatopee, tra gli ultimi gioielli di casa Sacchi di Sabbia.
Ogni pomeriggio alle 16,15 incontri con giornalisti, operatori e curatori teatrali, video documentaristi (Andrea Porcheddu, Carlo Mangolini, Gabriele Rizza, Cristina Valenti, Daniele Segre) per approfondire e incentivare scambi e conoscenze.

METAMORFOSI

LABORATORI : Scadenza iscrizioni 31 maggio 2010
Per info e iscrizioni
+39.050.744400 int.1215
formazione.pampana@lacittadelteatro.it

SPETTACOLI
Biglietti: Moni Ovadia 15 euro intero, 10 euro ridotto, 5 euro studenti, 5 euro gradinata.
Tutti gli altri spettacoli posto unico 5 euro.
tel. 050.744400
info@lacittadelteatro.it
www.lacittadelteatro.it

La stagione del Teatro Era prosegue con il festival Fabbrica Europa
Prossimo appuntamento sabato 15 maggio

con la Shen Wei Dance Arts New York
Re – (I,II,III) Tibet – Angkor Wat – The New Silk Road

In un’epoca in cui una nuvola di cenere vulcanica si aggira sull’Europa come lo spettro della natura, mentre si parla di ritorno al nucleare e di cataclismi climatici, muoiono i minatori in West Virginia ed esplode una petroliera in Louisiana, tre personaggi si incontrano a Copenhagen, oggi, nel 1998, nel 1941.
Massimo Populizio, Umberto Orsini e Giuliana Lojodice, tre giganti del teatro italiano per carisma, carriera e capacità, vestono i panni grigi e inamidati rispettivamente di Werner Heisenberg, padre del principio di indeterminazione nella fisica quantistica, Nobel per la Fisica nel 1932, di Niels Bohr, Nobel per la Fisica nel 1922, e della signora Margrethe Bohr.
E’ il primo che bussa alla porta dei due: un campanello che vedremo suonare ben tre volte, ogni volta un tentativo di capire com’è andata, di ricalcolare la realtà, in questo testo che ha debuttato a Broadway nel 1998 con enorme successo, e viaggia in tournée in Italia da 11 anni.
All’epoca del suo debutto a Udine, nel ’99, Copenaghen fu accolto con entusiasmo inedito, al punto che un compassato critico come Franco Cordelli si lanciò sul Corriere della Sera in un partecipato spot: “E’ raro che un cronista di cose teatrali si arrischi a tanto; è raro che dica, senza mezzi termini, andate a vedere questo spettacolo, andatelo a vedere tutti, in specie voi che non andate mai a teatro, voi che lo detestate, o credete di detestarlo”.
Anche chi invece a teatro va tantissimo, e preferisce il teatro meno tradizionale, rimane stupito dalla bravura degli interpreti, dalla tensione etica del testo, dall’enormità e dall’attualità degli interrogativi posti. Il coro di lavagne nere, a far da sfondo al dialogo tra i due scienziati, si imbianca progressivamente di formule e domande, scontrandosi con l’indeterminazione dell’umano.
La storia ci racconta che dopo quell’incontro l’antica amicizia tra i due finì bruscamente, Heisemberg, ebreo tedesco, restò a capo del programma di ricerca del regime nazista sulla bomba atomica, Bohr, ebreo sefardita per parte di madre, sei figli, fuggì in Svezia nel ’43 e poi a Londra, e infine partì per gli Stati Uniti per unirsi al Progetto Manhattan, in cui Enrico Fermi, Robert Oppenheimer, Leo Szilard e altri scienziati profughi europei studiavano il possibile sviluppo militare della fissione nucleare, scoperta in Germania nel 1939. Il progetto finanziato dal governo degli Stati Uniti fu sperimentato con ingenti spese nei laboratori di Los Alamos, nel Nuovo Messico, dove la prima bomba al plutonio fu fatta esplodere nel “Trinity test” il 16 luglio 1945. La prima bomba all’uranio fu sganciata sul centro della città di Hiroshima il 6 agosto 1945. La seconda bomba al plutonio fu sganciata invece su Nagasaki tre giorni dopo. Le 200.000 vittime civili dei due bombardamenti rappresentano uno degli episodi bellici più gravi dell’intera storia dell’umanità.
A Los Alamos Bohr aveva informato i colleghi del segretissimo programma nucleare tedesco, di cui sapeva da Heisemberg, da quell’incontro del’41. “Cosa sei venuto a fare qui?” Gli chiede più volte nello spettacolo, in cui sono gli stessi protagonisti a rievocare i fatti come da lontano, come se i loro fantasmi li raccontassero, alla luce di quanto avvenuto dopo, e a tratti decidessero di inscenarli, per capire meglio. Tre volte, come in un infinito loop di sliding doors, vediamo l’incontro cordiale ma freddo, la passeggiata dopo cena, i saluti improvvisi e bruschi. Una donna osserva e commenta, con la duttilità del suo ruolo: prima padrona di casa diffidente, poi moglie protettiva, poi cavia del circolo simulato ed esilarante di protoni neutroni e fotoni, infine voce di raccordo di un conflitto tra gli uomini e la storia, tra l’ambizione e la responsabilità. “Perché sei venuto quella sera a Copenaghen?” Forse per discolparsi, per deresponsabilizzarsi, per confessare. Nel terzo e ultimo tentativo di ricostruzione, Heisemberg racconta di aver omesso un calcolo, quel calcolo che doveva completare la previsione del pericolo. “E tu non l’hai calcolato?” lo incalza Bohr, strisciando con la sedia dinnanzi a lui, fino a schiaffeggiarlo, con colpi timidi ma rapidi sulle guancie. “E perché?” “Non lo so”. Frayn sposa evidentemente la tesi per cui gli scrupoli morali dello scienziato tedesco, in passato studente ambizioso e insolente, ormai disilluso e terrorizzato dalla sua “amata, devastata, disonorata Patria”, ritardarono la ricerca sulla bomba nucleare tedesca. Soluzione apparentemente semplicistica e consolatoria di un problema di coscienza assai più complesso e sottile, che riguarda i limiti della ricerca scientifica nella sua capacità di produrre armi e morte. Se l’equilibrio dell’individuo è salvo, l’equilibrio della storia è comunque fatalmente compromesso; se il progresso della scienza è libero, è l’indeterminazione della scelta umana a essere pericolosa.

« non è possibile conoscere simultaneamente la velocità e la posizione di una particella con certezza »
Werner Heisenberg, 1927

COPENAGHEN
Produzione CSS Teatro stabile di innovazione, Emilia Romagna Teatro Fondazione.
Autore: Michael Frayn
Regia: Mauro Avogadro
Interpreti:
Umberto Orsini nel ruolo di: Niels Bohr
Massimo Popolizio nel ruolo di:
Giuliana Lojodice nel ruolo di: Margrethe Bohr
Costumi: Gabriele Mayer
Scene: Giacomo Andrico
Luci: Giancarlo Salvatori
Musica: Andrea Liberovici

Le attività della Fondazione Pontedera Teatro continuano all’interno del
Festival Fabbrica Europa di Firenze

PROSSIMO APPUNTAMENTO AL TEATRO ERA

sabato 15 maggio alle ore 21
RE – (I,II,III) Tibet, Angkor Wat, The New Silk Road
di Shen Wei Dance Arts New York
Viaggio tra il Tibet, la Cambogia e la Cina antica e moderna del quarantenne coreografo cinese star della danza contemporanea a New York, dove ha sede la sua compagnia.

RE – (I,II,III) è il suo spettacolo cult, a metà tra il misticismo e la contemplazione della sua antica terra, e la frenesia individualistica dell’occidente.

“Dopo un anno e cinque mesi di Consiglio di Amministrazione è la prima volta che ci vedete sorridenti…” Con questa frase che dice subito molto, il Presidente della Fondazione Teatro di Pisa Sergio Cortopassi apre la conferenza stampa indetta per la presentazione dei risultati d’esercizio 2009. Mattina di sabato dieci aprile, tipica location la Cantinetta del Verdi. Di fronte alla stampa locale, alla presenza del Sindaco di Pisa Marco Filippeschi e di Silvia Panichi e Silvia Pagnin, assessori alla cultura rispettivamente del Comune e della Provincia, il Presidente mostra con evidente soddisfazione i dati che attestano i primi passi compiuti verso il risanamento aziendale del teatro, senza abbandonare la cautela comunque doverosa in una situazione ancora delicata. Riportiamo di seguito i tratti salienti della sua esposizione.

“…Anzitutto stiamo rispettando tutte le scadenze statutarie. Lo statuto prevede la predisposizione del bilancio entro il mese di aprile, siamo in largo anticipo e questo è un buon segno. Ma la cosa fondamentale è che, dopo molti anni, il bilancio del Teatro di Pisa si chiude con un avanzo di amministrazione, di oltre 74.000 euro (€ 74.667 ndr). Questa somma verrà destinata all’estinzione di una partita debitoria pregressa che dunque verrà cancellata senza chiedere apporti ai soci. Qualcuno potrebbe pensare che i problemi siano risolti, purtroppo non è così. Abbiamo solo superato la fase emergenziale, che in ogni caso è un risultato. L’avanzo di amministrazione non deve trarre in inganno: c’è stato un contributo straordinario della Regione Toscana di 140.000 euro che per il 2010 non è previsto, in più il contributo del Fus (Fondo Unico per lo Spettacolo) è rimasto sugli stessi livelli dell’anno precedente mentre se ne attendeva un taglio del 17%. Si è potuto contare dunque su circa 240.000 euro che nel 2010 non avremo. In sostanza viviamo una situazione di incertezza istituzionale con la conseguente impossibilità di programmare perché non si sa mai su quali risorse si può contare. Questo ci rende la vita difficile. Ad ogni modo l’obiettivo del 2009 era di uscire da una situazione debitoria e ci siamo riusciti, possiamo pensare al futuro con un po’ di tranquillità in più. Gli obiettivi per il 2010 si possono sintetizzare in tre punti: 1) Stabilizzare i risultati del 2009, cioè rendere il raggiungimento dell’equilibrio un fatto standard. 2) Effettuare la riorganizzazione aziendale. È stato dato l’incarico alla Bocconi di Milano di studiare questo aspetto, entro giugno sapremo come sarà ristrutturata l’azienda teatro in un orizzonte di medio-lungo periodo. 3) Uscire dalla fase emergenziale in ottica triennale, questo come prosecuzione degli intenti del 2009.”

Tornando sull’anno trascorso, il Presidente si sofferma sugli elementi che hanno contribuito al conseguimento del risultato.

“Può dirsi che per questa prima annata gli obiettivi sono addirittura superati. Il CdA ha identificato quattro fattori di successo del medesimo ordine d’importanza: 1) La capacità di tenere sotto controllo la spesa, anche con l’eliminazione di tutte le consulenze non obbligatorie. Rispetto al 2008 sono stati tagliati costi per un milione e mezzo di euro in totale. Ovviamente sono diminuiti anche i ricavi, per un milione di euro, ma il calo degli oneri è stato più significativo. 2) La partecipazione attiva e responsabile degli operatori del teatro, che hanno dato prova di aver compreso come questo stesse giocando una partita decisiva. 3) Il forte sostegno dei nostri soci fondatori che, oltre a un appoggio morale comunque indispensabile, hanno garantito un supporto economico certo. 4) Il sostegno del pubblico, che ha risposto bene, dimostrando anch’esso di aver capito l’importanza della partita giocata. Non possiamo certo negare il costo culturale subito, ma la città ci è stata vicina.”

Cortopassi riprende poi il filo delle valutazioni sul futuro analizzando la situazione settore per settore.

“La Prosa è un settore che si può dire stabilizzato. L’esperimento con Fondazione Toscana Spettacolo ha dato ottimi risultati in termini sia qualitativi che quantitativi e così anche la collaborazione con Nonsolospettacolo. La dimensione che dobbiamo aspettarci sarà sempre di 8 spettacoli in cartellone per 16 repliche in totale, più 4-6 di Nonsolospettacolo. Tra l’altro questi ultimi sono un’offerta che non rappresenta costi per il teatro in quanto il rischio d’impresa è a carico del soggetto organizzatore. La Danza può dirsi altrettanto stabilizzata. Siamo uno dei pochi teatri toscani con una sua Stagione, e di buon livello. L’unico problema è rappresentato dalla ricerca di una struttura alternativa al Verdi per alcuni spettacoli di non grandissimo richiamo, pur buoni tecnicamente. La Danza è molto più di nicchia come forma di intrattenimento. La nostra media è di 400 spettatori ed è abbastanza alta, ma quando al Verdi ci sono 150 presenze si trasmette un senso di vuoto. E questa è una struttura che costa solo per il fatto di essere aperta. La Lirica è il settore che ci ha fatto penare, quello che ha pagato il prezzo più alto perché non è facile passare da una stagione fondata su classici a una diversa a tal punto. Poi senza contributi statali e regionali la Lirica non si fa, quindi abbiamo lavorato un anno per capire su cosa potevamo contare. Abbiamo firmato un accordo con la Regione, insieme ai teatri di Lucca e Livorno, che ci consente di avere un contributo annuo di 200.000 euro (600.000 complessivi per i tre teatri). Lo stesso accordo individua nell’Orchestra Regionale Toscana l’orchestra di riferimento. Tutto questo è una cosa ottima. I tre teatri devono trovare un filo conduttore unitario e noi crediamo in questo fermamente perché da soli non si va da nessuna parte. È necessario creare i presupposti per arrivare a un cartellone unico, ciascun teatro che partecipa a questo disegno bisogna che capisca di dover rinunciare a un pezzettino della sua autonomia.”

Si conferma inoltre l’attenzione all’intensa attività di formazione svolta dal Teatro di Pisa, della quale si rimarca la rilevanza strategica.

“Vogliamo perseguire la continuità in un’attività che per noi riveste un ruolo primario. Stabilizzare Fare Teatro e le sue produzioni, che hanno numeri di assoluto interesse (nel 2009 quasi 6000 spettatori, 35.000 euro di incassi, 20 spettacoli per 48 repliche, 183 classi coinvolte), e Prima del Teatro. Per questo sono state fatte scelte di bilancio anche difficili. Ad esempio, dal 2010 abbiamo deciso di destinare tutti i fondi provenienti da ARETUSA (l’Associazione delle scuole di Pisa, ndr) a Fare Teatro e tutti i contributi della Cassa di Risparmio di San Miniato a Prima del Teatro. La scelta unanime del CdA è di consolidare le nostre possibilità nel settore della formazione che è qualificante perché garantisce il rapporto con il futuro.”

Le conclusioni riflettono la serenità di chi sta mantenendo gli impegni presi.

“In definitiva, dovevamo individuare un percorso che garantisse al teatro un futuro meno incerto e crediamo di essere sulla buona strada. Ci siamo dedicati interamente a questo lavoro, abbiamo tagliato su tutto e siamo sempre vivi. Noi siamo soddisfatti, lasciamo all’esterno ogni altro tipo di valutazione.”

Hanno chiuso l’incontro gli interventi del sindaco e degli assessori, i quali hanno riconosciuto i risultati raggiunti e ringraziato il Presidente Cortopassi, il Consiglio di Amministrazione e i Sindaci Revisori per il lavoro svolto, sottolineando come ognuno nel proprio ruolo abbia contribuito alla buona riuscita iniziale di questo progetto di vitale importanza. Il primo cittadino ha espresso un auspicio, al quale ci associamo con convinzione: che il Teatro rimanga sempre un punto di riferimento per Pisa e sia al centro di quel piano di arricchimento culturale della città che è già in atto, in collaborazione con le associazioni e con gli altri soggetti presenti sul territorio.

Alla fine, in collaborazione con l’Associazione Nagual, una milonga aperta a tutti nel Ridotto del Teatro
Venerdì 16 aprile ore 21

La Catedral è il nome di una vecchia milonga di Buenos Aires, ora abbandonata. Vi si trovano solo polvere, vecchi sofà, ricordi di nostalgici tanghi. Ancora si sente il chiacchiericcio della gente o lo stropicciare delle scarpe sul pavimento e magari anche gli applausi di qualche improvvisata esibizione. Vi abitava una tribù: quella che vedi con un sacchetto in mano all’entrata di un locale, quella che percorre centinaia di chilometri per andare a ballare o per ascoltare un interessante musicalizador.
Domani sera questo polveroso locale argentino sarà illuminato dalle luci del Verdi di Pisa, in questo “LA CATEDRÀL, uno spettacolo per sei danzatori, sei divani e duecentoventisette scarpe”, ideato e diretto da Luciano Padovani, coadiuvato da Marcello Ballonzo per le coreografie di tango, per la compagnia Naturalis Labor composta da Silvia Bertoncelli, Marcello Ballonzo, Giannalberto de Filippis, Elena Garis, Luciano Padovani, Luca Zampar. Un mosaico di piccole storie, di amori giocati e finiti in un assolo di bandoneon, in questo vecchio locale dove si consuma il piccolo grande rito delle scarpe, strumento essenziale per danzare e per sedurre.
Uno spettacolo da non perdere, che ci rivela un Padovani rinnovato anche nel codice della danza: importante è stato l’incontro con il tango che ha permesso al coreografo vicentino di proporre la sua poetica in modo nuovo. Ne è nato così uno spettacolo intenso, suggestivo, talvolta ironico. Con la leggerezza che gli è propria, con un approccio scenico limpido e sempre leggibile, sono intrecciate le storie di sei personaggi, calate nelle scenografie di Mauro Rocchetta. “Una tribù legata dalla passione – commenta lo stesso regista – donne che aspettano e ammiccano, uomini che osservano, attenti, ogni loro mossa. Una tribù, con le sue regole, i suoi riti, le iniziazioni, i linguaggi di corpo, sguardi e parola”.
Luciano Padovani ha all’attivo molte creazioni con Naturalis Labor, gruppo da lui fondato nel 1988. Lo stile della compagnia è imparentato con il contact nord europeo, basato sull’improvvisazione, fortemente fisico, espressivo e dinamico, ma da qualche anno il regista ha iniziato a sperimentare incroci e suggestioni tra danza contemporanea e tango.
I costumi di questa creazione sono stati realizzati dal Gruppo Sarti dell’Associazione Artigiani di Vicenza coordinati da Paola Girardi, un bell’esempio di collaborazione tra realtà professionali del territorio, per una coproduzione Festival Oriente Occidente 2007-Compagnia Naturalis Labor, con il sostegno di Arco Danza/Regione Veneto, Comune di Comacchio, Comune di Vicenza, Provincia di Vicenza, Ministero dei Beni e Attività Culturali.
Una serata speciale di sensuale fusione fra la tecnica del contemporaneo e la spontanea visceralità del tango, che offrirà agli spettatori dopo lo spettacolo, inclusa nel prezzo del biglietto, una vera e propria MILONGA, organizzata nella Sala “Titta Ruffo” del Teatro in collaborazione con l’Associazione Nagual di Pisa, per il piacere di quanti amano questo mondo affascinante, animata da almeno dieci coppie locali, che parteciperanno anche al quadro finale dello spettacolo seguendo le indicazioni del coreografo Luciano Padovani.
Inserito nella XII Settimana della Cultura, quest’ultimo appuntamento per la Rassegna di Danza è un’occasione per tutti gli appassionati di usufruire dei biglietti a prezzo ridotto, con prezzi che variano da 20,50 a 7 Euro.
Per informazioni Teatro di Pisa tel 050-941111, www.teatrodipisa.pi.it

“Con questo progetto vorrei abbandonare il concetto per cui un balletto, un lavoro d’invenzione di danza pura, si debba creare su musiche astratte, in spazi freddi, sull’onda di quel minimalismo che credo sia diventato un atteggiamento più che un concetto estetico vero e proprio, come poteva essere negli anni Sessanta. La danza non è “astratta”, è semplicemente danza come la musica è musica. Ciò che accade nella mia visione di Didone e Enea è l’incontro tra una musica famosa e importante e una danza semplice pensata per pochi danzatori in un luogo e in un momento precisi.
Qui trovo l’emozione, è qui che vorrei spingere il pubblico a guardare, nella totale assenza del dramma scritto in un dramma fatto di assenze concentrato sulla figura di Didone, la quale fin dall’inizio è perseguitata da un presagio che con una linea continua ma dinamica la porta alla morte, come una luce trovata accesa che piano piano si spegne”.

In questo lavoro la sensualità dell’amore tra l’eroe troiano figlio di Venere, destinato a fondare la stirpe Giulia degli imperatori romani, e la bella regina cartaginese, si dispiega nella scena algida di una struttura architettonica polifunzionale, in cui i 7 danzatori interpretano i fasti regali e il tormento dell’abbandono, senza mai concedere troppo alla narrazione iperdidascalica.
Decisamente più asciutto della pur eccezionale recente interpretazione del Dido and Aeneas di Sasha Waltz, che ha presentato in scena a Berlino e poi a Ferrara una vera piscina in cui danzatori natanti festeggiavano la vita di corte, Levaggi si inserisce a pieno nella scia dei più interessanti coreografi contemporanei alle prese con la grande tradizione musicale.

Formatosi alla scuola del Balletto Teatro di Torino tuttora diretto dalla prima ballerina del Teatro Regio negli anni ’70 Loredana Furno, Matteo Levaggi ha attraversato l’eccellenza della danza italiana (dal 1997 entra a far parte della compagnia Aterballetto) per poi scegliere una carriera libera, danzando in diverse produzioni tra cui Le memorie di Adriano, dove interpreta il ruolo di Antinoo accanto a Giorgio Albertazzi, o Io Giacomo Casanova, creato per il Festival di Atene del 2000 dalla coreografa americana Karole Armitage. Dal 1999, dopo il successo sorprendente di una sua prima creazione per la compagnia, Loredana Furno lo vuole coreografo stabile del Balletto Teatro di Torino, con il quale ha iniziato un suo personale percorso creativo centrato sulla costruzione propriamente coreografica e fondato sul lavoro quotidiano con i danzatori, creando così una nuova realtà italiana di compagnia di danza “d’autore”.
Il pubblico del Teatro di Pisa ricorderà il suo Caravaggio, realizzato nel 2004 su musica originale di Giovanni Sollima, e recentemente ripreso in occasione del quattrocentesimo anniversario della morte del pittore.

Nel 2006, con Canto bianco in un momento di orizzonte verticale, presentato alla Biennale Danza di Venezia diretta da Ismael Ivo, Levaggi raggiunge gli onori della critica, “pièce di pura danza, capace di spezzare la sua energica pienezza con duetti e soli che creano poetici contrasti tra gli undici danzatori (compreso il coreografo). Una eccellente produzione, che onora la selezione italiana.” (Marinella Guatterini, Il Sole 24 Ore)
“Levaggi ama lavorare sul fronte formale della danza, in una dimensione estetica post-classica, ricercando ogni nuova via per mettere in tensione le membra dei danzatori e facendoli ondeggiare immergendoli in un gusto soft-sexy.” (Elisa Guzzo Vaccarino, Ballettanz Magazine)

In scena sabato sera Manuela Maugeri, Viola Scaglione, Valeria Vellei, Giuseppe Cannizzo, Gert Gijbels, Rosario Guerra, Vito Pansini.
Il disegno luci è firmato da Marco Policastro (già Spellbound Dance Company).
I costumi per questo spettacolo, la cui prima esecuzione si è svolta al Teatro Cilea di Reggio Calabria il 18 gennaio 2008, sono firmati da Manuela Dello Preite e Atelier Walter Dang.
Biglietti da un massimo di 23,00 Euro a un minimo di 7,00 Euro, con le consuete e varie riduzioni ed agevolazioni.
Per informazioni Teatro di Pisa tel 050-941111, www.teatrodipisa.pi.it

Venerdì 9 aprile 2010 ore 21.15

GENTE COME UNO

Con Manuel Ferreira
Regia Elena Lolli
Luci Andrea Violato
Fotografie BRUNA ORLANDI tratte dalla mostra “QUE SE VAJAN TODOS”
Ingresso:
Intero € 10, ridotto € 8, ridotto DSU € 4.

Si consiglia la prenotazione
Tel. 050 83 09 43
e-mail: info@cinemateatrolux.it

Sempre nell’ambito di Grandi speranze, rassegna organizzata e gestita a Pisa da Teatro Sant’Andrea, Teatro Lux, in collaborazione con la Fondazione Toscana Spettacoli, sabato 10 aprile alle 21 al Teatro Sant’Andrea di Pisa due lavori della Compagnia Larigiana Scenica Frammenti, “Maria Pepina” e “Fuochi nella notte”, due spettacoli “al femminile”, di impronta decisamente più intimista, che vedono in scena, con diversi linguaggi, la donna e il suo universo. “Maria Pepina” è un monologo liberamente tratto dal racconto “Nonna Maria” di Filippo Timi, presente nel libro “E lasciamole cadere queste stelle” ed. Fandango. “Una donna che, sul punto di lasciare la vita va a frugare tra i ricordi per trovare quello più bello. Una donna che, frugando tra i sentimenti coglie la voglia di tornare a giocare. Una donna che, cullando i ricordi, butta via la tristezza e comincia a raccontare. Maria Pepina non ha età, perché le attraversa tutte; un potenziale immenso, una storia comune che accomuna, che risveglia attraverso la semplicità, emozione e partecipazione”.

Fuochi nella notte, “Racconti polverosi di donne finalmente libere”, è un dialogo a tre voci tra tre generazioni: le attrici Vincenza Barone, Gabriella Seghizzi, Iris Barone, sono figlie della stessa genìa di attori larigiani, che hanno dato origine a Scenica Frammenti. Nonna Enza, o Vincenza, ultra ***enne, è un portento da palcoscenico, piena di acciacchi fuori dalle tavole della scena, energica e vitale quando sale in palcoscenico.
Nello spettacolo si confrontano, col supporto di poesia e musica eseguita dal vivo, due generazioni, che raccontano la stessa storia ma in modo diverso. Tre donne, tre streghe, tre attrici e la vita in una valigia. La prima ha intrapreso il difficile cammino in questo mondo, dove è sempre stato difficile trovare un ruolo da protagonista, tra ostacoli che ne hanno sempre rallentato la corsa. Un ruolo riconosciutole in famiglia ma non da una società che l’ha sempre relegata ai margini, arrivando persino a metterla al rogo definendola un’eretica oppure impedendole di salire su un palco e in altri casi di “partecipare”. Dal desiderio di “partecipazione” nascono le storie e le vite di figlie e nipoti, che cantano e si raccontano come intorno a un falò liberatorio, un fuoco necessario a illuminare la realtà e schiarire il ricordo.

Maria Pepina
Con Valentina Bischi

e con la partecipazione straordinaria dei GATTI MEZZI

Fuochi nella notte
Con Vincenza Barone, Gabriella Seghizzi, Iris Barone

Musiche di Massimiliano Nocelli, Francesco Oliviero e Carlo De Toni
Luci di Michele Fiaschi
Elementi scenici di Cesare Inzerillo
Entrambe Regie di Loris Seghizzi
Sceneggiatura tratta da Pessoa, Niccodemi, Shakespeare, Eduardo.
Musiche originali eseguite dal vivo.

Biglietti: € 10 intero
€ 8 ridotto under 26 e over 65
E’ consigliata la prenotazione
050.542364 – info@teatrosantandrea.it
www.scenicaframmenti.com

www.teatrosantandrea.it

Il più atteso dal pubblico gothic industrial di FOSFENI è sicuramente  il berlinese Blixa Bargeld, fondatore della leggendaria band Einsturzende Neubaten, nel pieno del movimento industrial, che sconvolse la scena musicale europea tra la fine degli anni 70 e l’inizio degli anni 80. Nello specifico, la cifra espressiva degli Einstürzende Neubauten consisteva nell’utilizzo di strumentazioni atipiche, comprendenti martelli pneumatici, lamiere metalliche, tubi flessibili, compressori e altri elementi capaci di creare un suono alienante, ricco di dissonanze, rappresentativo della moderna civiltà industriale. I “Nuovi Edifici Crollanti” (termine usato per definire le costruzioni tedesche edificate dopo il 1945) esercitarono una incredibile influenza sulla musica successiva: sono in molti ad avere più di un debito nei confronti del gruppo tedesco (e del suo stile avanguardistico e rivoluzionario), dai Pussy Galore ai Sightings, ai nostri CCCP Fedeli alla linea incontrati durante il loro primo tour tedesco, nella metà degli anni ‘80. Bargeld è compositore, autore, attore, performer; dal 1984 al 2003 è chitarrista di “Nick Cave and the Bad Seeds“, con cui attraversa in concerto Europa, Nord e Sud America, Australia e Giappone.

IN PRIMA TOSCANA
La città del teatro di cascina

Domenica 28 marzo ore 21.00

Socìetas Raffaello Sanzio

INGIURIA

una sequenza utile per imprecare

versi cadenzati da Chiara Guidi e musicati da Teho Teardo

tratti liberamente da testi di Claudia Castellucci

con Alexander Balanescu e Blixa Bargeld, Chiara Guidi e Teho Teardo

tecnico del suono: Boris Wilsdors
tecnico luci: Fabio Sajiz
produzione: Link Musik, Socìetas Raffaello Sanzio
Coproduzione: Romaeuropa Festival 2009

A seguire conversazione con Chiara Guidi e Teho Teardo, coordina Silvia Bottiroli

Prevendita circuito greenticket e su www.greenticket.it e al botteghino del teatro verdi di pisa
Biglietti da 12 a 20 euro

La Città del Teatro via toscoromagnola 656 cascina 56021 pisa
info@lacittadelteatro.it
www.lacittadelteatro.it
050.744400

“Utilizziamo un brano musicale come pretesto per fare dell’autoironia. E più sono famosi, più l’aria è conosciuta, più colpisce nel segno la rielaborazione. L’idea principale è quella di uno spettacolo non narrativo, ma fatto di situazioni. Di fronte all’esigenza di una qualche contestualizzazione, abbiamo immaginato la polvere che si deposita sulle quinte dei teatri. È così che si animano queste situazioni: come se quella polvere, una volta scossa, generasse una turba di folletti che intraprendono un viaggio tra un’opera e l’altra. La contaminazione è da sempre la nostra cifra stilistica- spiega il coreografo- Per quanto riguarda la distribuzione delle energie sul palco, in questo spettacolo le donne, in linea generale, danzano contemporaneo mentre gli uomini hip hop e breakdance. Ma, proprio in virtù di quella contaminazione, il gioco resta nel tentativo di mescolare queste attitudini, unendole nelle sonorità della lirica. Su “una furtiva lagrima” di Donizetti ho montato un passo a due tra una danzatrice sulle punte e un breaker”.
Così spiega Enzo Celli, atleta e danzatore virtuoso, che con il suo inconfondibile stile mescola armoniosamente tradizione e innovazione, tecnica, aggressività e delicatezza. Con i suoi Botèga, l’unica compagnia riconosciuta e finanziata dal Ministero per i Beni Culturali per la danza hip hop, torna a Pisa dopo i successi di Sc’impis, Astamanèra e Ostro.
Chi c’era ricorda certamente i palloncini colorati di Astamanèra lanciati dall’ultimo ordine di palchi al Verdi dagli scatenatissimi allievi del laboratorio che Celli fece a Pisa nel 2003. La spinta creativa dell’impavido coreografo, reduce da ogni sport estemo ma anche da collaborazioni con Carla Fracci e Daniel Ezralow, arriva a provocare l’incontro di stuntmen e breakers con le più celebri arie d’opera italiane.
Fortissima l’attrattiva per i più giovani, accattivante per l’eclettismo più adulto, lo spettacolo si incornicia perfettamente nel progetto della stagione di danza 2010 del Teatro di Pisa, a cura di Silvano Patacca, per cui danza contemporanea e musica colta sono due universi in avvicinamento costante.

In scena sotto la guida del coreografo e regista Enzo Celli: Mattia De Virgiliis, Francesco Di Luzio, Andrea Ferrarini, Federica Galimberti, Daniele Lombrici, Elisabetta Minutoli, Laura Ragni, Lezar Frank Stepputat, Carlotta Viola. Disegno luci e fonica sono di Luca Barbarti, i costumi di Luciana Strata, elaborazioni grafiche Dingrafica, elaborazioni musicali Enzo Celli, produzione G.D.O.
Biglietti da un massimo di 23,00 Euro a un minimo di 7,00 Euro, con le consuete e varie riduzioni e agevolazioni.
Per informazioni Teatro di Pisa tel 050-941111, www.teatrodipisa.pi.it
www.botega.it