Medea è una figura di donna di persistente attualità. Una donna dalle mille sfaccettature, che non è mossa da spinte erotiche o sentimentali, ma che risponde semplicemente a un’ingiustizia. Lo fa a modo suo, con la più tragica delle azioni che compie determinata e consapevole, colpendo se stessa con la stessa violenza mentre vuole punire il padre dei suoi figli. Una donna il cui personaggio è di per sé un elemento di modernità che già valeva per i tempi di Euripide. È infatti la prima a mettere in discussione i rapporti tra uomo e donna, aprendo la porta a nuove possibilità.

Dice Maurizio Panici: «C’è una definizione precisa della tragedia in un testo di Jean Anouilh attraverso un’immagine molto forte, che trovo assolutamente pertinente: il coro infatti dice “La molla è caricata. Non avrà che da scaricarsi da sola… nella tragedia tutto è tranquillo, si dà appena una spinta per metterla in moto, un nonnulla. Tutto qui. Dopo non c’è che da lasciarla fare…”. Ecco, Medea è la molla caricata: la sua diversità, il suo essere esule in terra straniera, non più amata dall’uomo per il quale ha lasciato la casa e gli affetti, sono ancora oggi, come allora, motivi sufficienti per provocare un corto circuito emotivo di dimensioni devastanti… Raccontare ancora una volta Medea è narrare da un lato quanto le passioni possano essere devastanti se non controllate, ma dall’altro come gli uomini attraverso sofisticati ragionamenti giustifichino scelte di comodo per il raggiungimento di una posizione sociale più alta all’interno di una comunità. Medea è anche una storia tremenda che le cronache recenti continuano a raccontarci suscitando orrore per un atto così orribile: ancora una volta la lezione dei classici ci fa riflettere sul nostro essere uomini di questo tempo, con l’immutata fragilità di sempre, e ci invita a partecipare al percorso doloroso della protagonista, percorrendo con lei tutta la gamma delle passioni e l’orrore per un gesto così tremendo e definitivo».

Riprende corpo così la storia di Lulamae Barns, alias Holiday Golightly, la giovane fascinosa e spontanea che vive di prostituzione d’alto bordo in quel piccolo universo un po’ bizzarro dell’East End newyorkese, e del suo incontro con Paul Varjak, promettente e spiantato scrittore giunto da poco nella Grande Mela. Ma lo spettacolo non recupera del tutto i toni leggeri della commedia cinematografica di Blake Edwards, romantica e dal classico lieto fine americano. Maccarinelli, per mezzo del collaudato adattamento teatrale di Samuel Adamson, si rifà maggiormente all’omonimo romanzo di Truman Capote del 1958 da cui la vicenda è tratta, un testo più duro, e in cui un lieto fine non c’è. Focalizzato su un’umanità dal futuro incerto, come quello della protagonista stessa che è ancora più spontanea, spaventata e coraggiosa allo stesso modo, a tratti scandalosa e dalla sessualità incerta. Una delle difformità per cui Truman Capote non fu contento della trasposizione su celluloide, lui che quel ruolo lo aveva immaginato perfetto per Marilyn Monroe.

Proprio alla Monroe ha pensato di conseguenza Francesca Inaudi per la sua interpretazione di Holly. Una delle migliori giovani attrici italiane, torna in teatro dopo una lunga assenza in cui si è dedicata al cinema collezionando successi. Per citarne alcuni, Dopo Mezzanotte di Ferrario che le valse la Grolla d’oro 2005 al Festival di S. Vincent, N – Io e Napoleone di Virzì per il quale è stata candidata come migliore attrice non protagonista ai Nastri d’Argento 2007, il cortometraggio Insula di Eric Alexander per cui ha vinto il premio di miglior attrice al Festival del Corto di Fano 2010, Noi credevamo di Mario Martone dove ha ottimamente interpretato una giovane Cristina di Belgioioso. Lorenzo Lavia, figlio d’arte, è già noto al pubblico pisano per le performance nell’Avaro di qualche anno fa e in Misura per Misura, entrambi messi in scena dal padre Gabriele. A completare il cast, Mauro Marino, Flavio Bonacci, Anna Zapparoli, Vincenzo Ferrera, Giulio Federico Janni, Cristina Maccà, Ippolita Baldini, Riccardo Flori e Pietro Masotti.

In tempi di crisi, quando di soldi se ne parla molto e se ne vedono pochi, rivedere L’avaro non serve, ma aiuta.

http://www.teatrodipisa.pi.it/prosa/prosa.htm

A una sola settimana dal successo dello straordinario Arlecchino di Soleri, la Prosa del Teatro di Pisa è già al quarto appuntamento. Questa volta è il ritorno di un volto noto per il pubblico di casa: Vincenzo Salemme si riprende il palco del Verdi due anni dopo Bello di Papà. Questo weekend, sabato 10 alle 21 e domenica 11 dicembre alle 17, Salemme presenta L’astice al Veleno, l’ultima commedia che ha scritto soltanto un anno fa e di cui è ancora regista e protagonista. Commedia romantico-brillante che si basa su quel meccanismo comico-farsesco tanto gradito all’autore napoletano, con il suo ritmo frenetico e il susseguirsi di battute a cascata.

È la vigilia di Natale. Barbara (Benedetta Valanzano) è un’attricetta impegnata nelle prove di uno spettacolo. È altresì l’amante del regista che a sua volta è sposato con la ricca produttrice dei suoi lavori. Gustavo (Vincenzo Salemme) è invece un pony express che porta pacchi dono natalizi. Il luogo è il teatro dove Barbara debutterà tra pochi giorni e con i due troviamo quattro figure assai particolari che sono le statue riprodotte nella scenografia. Una lavandaia del Cinquecento, uno scugnizzo di Gemito, un poeta rivoluzionario originario del Regno delle Due Sicilie e un “Munaciello”, figura mitologica dell’iconografia popolare partenopea, che si esprime alla maniera di un primitivo. Barbara è suscettibile e sognatrice e proprio per questa sua fragilità si ritrova a parlare con queste sagome inanimate che prendono vita nella sua fantasia. Solamente lei le vede come esseri viventi, ma all’arrivo di Gustavo, vestito da Babbo Natale per una consegna, le statue si animano pure per lui. Questo è il chiaro segno che tra i due c’è molto in comune, perciò la donna decide di porre fine alla sua relazione con il regista e in base a un piano diabolico organizza una cena a lume di candela proprio lì in teatro. In mezzo a tutto, un astice vivo da cucinare che però nessuno ha il coraggio di uccidere!

Al fianco dei due protagonisti principali, un cast assolutamente all’altezza. Il regista adultero, Matteo, è Maurizio Aiello, attore popolare tra il pubblico televisivo soprattutto per essere uno dei protagonisti storici della soap Un Posto al Sole. Le quattro statue viventi sono la nota cantante-attrice napoletana Antonella Morea (la Lavandaia), Antonio Guerriero (lo Scugnizzo), Giovanni Ribò (il Poeta), Nicola Acunzo (il Munaciello). Domenico Aria interpreta l’assistente Angelo Vicedomini. Le musiche sono di Antonio Boccia, i testi delle canzoni sono scritti da Vincenzo Salemme stesso. Le scene sono di Alessandro Chiti, i costumi di Giusy Giustino, il disegno luci di Umile Vainieri, i movimenti coreografici di Stefano Bontempi.

Storie vissute e ripercorse sui veri chilometri calpestati a piedi da un gruppo degli attori, nell’ottobre caldo del 150enario dell’Unità, da Palermo a Marsala a Misilmeri, per un totale di 156 km.

Il viaggio del gruppo del laboratorio Fare Teatro del Teatro Verdi era iniziato mesi prima, sulle mappe della Sicilia e sui diari dei giovani garibaldini, ventenni partiti al grido di viva l’Italia senza sapere nemmeno bene quale fosse la destinazione, senza essere mai saliti su una nave, senza conoscere i perigli di un viaggio in mare, né della guerra.

Dall’elenco che dà il tempo dello spettacolo, dalla A alla Z, si affacciano i volti e i nomi di molti di loro.
Di Pasquale Natale, “un nome da grullo!”, livornese, che lascia l’abbraccio forte del padre tra le preghiere infinite della madre.
Di Ippolito Nievo lo scrittore, che scompare in viaggio con in mano un messaggio per Cavour, naufragato in un piroscafo che fa tornare in mente la scomparsa di Camillo Cienfuegos, altra rivoluzione, altro secolo, altri misteri.
Di Francesco Crispi e della sua fidanzata lavanderina a Marsiglia, sedotta e abbandonata da un grande sognatore, non prima di aver servito i Mille come infermiera e staffetta ante litteram.
Di Giuseppe Garibaldi, il comandante ferito ad Aspromonte, interpretato a turno da tutti i giovanotti, da quello coi riccioli rossi e la barbetta che gli somiglia tantissimo, allo sbarbato dark e al piccoletto dallo sguardo vispo.
Suonano, cantano e ballano, gli attori zelanti, perfettamente in sincrono nelle uscite di gruppo, nell’ondeggiare tumultuoso degli uomini raccolti nella stiva, nelle entrate e uscite dai vari episodi.

Il Risorgimento vien fuori con la freschezza di un dialogo tra un prete siciliano e un ragazzo del nord, un dialogo tra sordi che si risolve, dopo il tentativo latino, in un fiasco di vino; si spreme dall’energia dei corpi danzanti una taranta di morte; si immagina dalle esplosioni e dai combattimenti, nei movimenti rigidi degli attori in scena come marionette, mentre sullo sfondo scorrono le immagini dei pupi di Mimmo Cuticchio, immortalato col gruppo pisano nella sosta palermitana del loro viaggio. Alla fine, è proprio il ricordo del viaggio dei dodici alla ricerca dei mille, guidati da Franco Farina, a commuovere e a sorprendere più di ogni altra cosa. Cantato unplugged con le foto di un cammino tra il tempio di Segesta e i cartelli stradali di Alcamo, Calatafimi, Salemi, gli zaini, le “scarpe rotte nuove”, i fazzoletti rossi annodati al collo. Il segno più forte di un’Italia che risorge, a vent’anni, come 150 anni fa.

Dal profilo facebook di Alla ricerca dei Mille:

http://www.facebook.com/ricercadeimille?sk=photos#!/ricercadeimille

“Troppo è stato dimenticato in nome della memoria”
Don De Lillo

Fare Teatro / Laboratorio 3° livello
SOGNARE UN’ITALIA
Alla ricerca dei Mille
di Franco Farina
con
Marta Bettini, Edoardo Biancalana, Dario Buttazzo, Francesco Chiofalo, Giulia Contini, Alessandro Dinisi, Francesco James Gasperini, Silvia Giorlando, Luca Iacoponi, Francesco Malacarne, Rachele Mazzali, Iacopo Pozzana, Anna Romani, Flaminia Vannozzi, Luca Vocaturo, Salvatore Zappia, Sofia Zuccoli

Coordinamento e regia
Cristina Lazzari, Franco Farina, Luca Biagiotti

Il secondo appuntamento del cartellone di Prosa apre virtualmente la fase finale della lunga serie di contributi del Teatro di Pisa alle celebrazioni per il 150° dell’Unità d’Italia, iniziata lo scorso gennaio e passata per il momento clou che alla vigilia del 17 marzo è stata la grande festa della Notte Bianca Rossa e Verdi. In quest’ultima parte dell’anno, l’impegno del Verdi si compie con tre appuntamenti il cui filo conduttore è la scelta di “ricucire” la storia proiettando i riflessi di ieri sul tempo di oggi. Il primo è un evento di grande rilievo: Ascanio Celestini con il suo PRO PATRIA. Senza prigioni, senza processi, al Teatro Verdi venerdì 18 e sabato 19 novembre alle 21, emerge in una Stagione di Prosa di già altissima qualità. L’ottimo narratore, negli ultimi anni una presenza familiare sulla scena di Pisa e dintorni, presenta alla sua maniera un racconto di cento minuti che, a partire dal Risorgimento, da Mazzini e Garibaldi e soprattutto dalla Repubblica Romana, si snoda attraverso un dialogo immaginario fra un detenuto e lo stesso Mazzini. Celestini, con la poetica affabulatoria che distingue il suo teatro e le abilità narrative che lo rendono capace di ipnotizzare il pubblico, dà corpo e vita a cinque personaggi in una storia che richiama il momento più alto del nostro Risorgimento, ma che è anche un grido contro la reclusione, una dichiarazione d’amore per la Costituzione e molto altro. Ascanio Celestini sarà anche protagonista di un incontro, sempre al Teatro Verdi sabato 19 novembre alle 17, che non è una conferenza ma un dialogo i cui primi interlocutori saranno Franco Farina e gli studenti di Fare Teatro che hanno appena vissuto una particolarissima esperienza “alla ricerca dei Mille”.

Proprio quest’esperienza è uno dei perni dello spettacolo SOGNARE UN’ITALIA Alla ricerca dei Mille, in sala “Titta Ruffo” da domenica 20 a giovedì 24 (escluso lunedì 21) e poi martedì 6 dicembre sempre alle 21 (il 19, 22, 23 novembre e il 6 dicembre sono in programma matinées per le scuole). La drammaturgia è di Franco Farina, il coordinamento e la regia sono di Franco Farina, Luca Biagiotti e Cristina Lazzari. Lo spettacolo nasce all’interno del Laboratorio di 3° Livello di Fare Teatro. Protagonista un gruppo di studenti fra i 20 e i 25 anni che per un anno ha lavorato a lungo sulla “nazione volontaria” animatrice del nostro Risorgimento, nella costruzione di questo racconto corale della spedizione garibaldina, per cercare di riconoscere a ogni partecipante la sua eccezionalità e di strapparlo alla retorica. Decisamente eccezionale è l’appendice vissuta da questi ragazzi che insieme a Franco Farina sono partiti in nave dal porto di Livorno, hanno raggiunto la Sicilia e l’hanno percorsa per ben 156 chilometri, da Marsala a Palermo, in un itinerario ricco di incontri.

A chiudere questo trittico ideale, venerdì 23 dicembre alle 21 sarà in scena al Verdi ITALIANE. Voci e storie di donne negli ultimi 150 anni di e con Cristina Lazzari, Alice Bachi, Marta Paganelli, Erika Gori, Alice Vannozzi. Un’acuta tessitura di voci, canti, vicende e testimonianze che il cast di attrici riprende e arricchisce per proporla a un pubblico più vasto, dopo il successo riscosso lo scorso giugno a Palazzo Blu quando fu presentata nell’ambito della mostra “Donne d’Italia. La Metà dell’Unità”.

È un grande attore a inaugurare la Stagione Teatrale del Verdi. Leo Gullotta e un grande classico del teatro del ’900, Il Piacere dell’Onestà di Pirandello, sabato 22 e domenica 23 ottobre segnano l’apertura della Stagione di Prosa 2011/12 che per il terzo anno consecutivo è firmata dal Teatro di Pisa e dalla Fondazione Toscana Spettacolo. Una Stagione che parte nel migliore dei modi grazie anche all’aumento degli abbonamenti, saliti del 22%, dato che conferma il trend di crescita delle ultime annate. Risultati altrettanto buoni si stanno registrando sul piano della vendita dei biglietti che è già iniziata per tutti gli spettacoli in cartellone.

La produzione pirandelliana che apre la rassegna è del Teatro Eliseo, per la regia di Fabio Grossi, le scene e i costumi di Luigi Perego, le musiche di Germano Mazzocchetti, le luci di Valerio Tiberi. Uno spettacolo che la critica ha definito “un Pirandello di gran rango”, campione di incassi nel 2008 e ancora in tournée. Il testo si incentra sul personaggio di Angelo Baldovino, uomo fallito e di dubbia moralità che accetta, appunto, solo per il piacere dell’onestà di sposare Agata, ragazza di buona famiglia che aspetta un bambino da un uomo maritato, il rispettabile marchese Fabio Colli. Il Piacere dell’Onestà porta in primo piano uno dei temi più cari alla drammaturgia pirandelliana, dimostrando ancora come l’essere e l’apparire siano frutto del conformismo della società. Una società che non muta nei tempi e che teme la diversità, perché essere onesti significa essere diversi.

I tre anni di tournée sono altresì un costante e meritato successo personale per Leo Gullotta che già con un’altra pièce pirandelliana, L’uomo, la bestia e la virtù, aveva ottenuto uno straordinario successo da cui la candidatura come miglior attore protagonista ai Premi Olimpici del Teatro 2008. Ne Il Piacere dell’Onestà, dice la critica, Gullotta imprime al personaggio di Baldovino “un’interpretazione ricca di sfumature”, capace con “un movimento degli occhi di descrivere le complessità dell’anima”. Un attore di classe che “in una prova di maturità artistica eccezionale, in un personaggio impostato in veste sagace e colta, ha trasmesso pathos e umanità, semplicità e maestria, tensione e padronanza, strappando un irresistibile applauso nella scena finale.” Proprio a Leo Gullotta, per i suoi meriti artistici, nel pomeriggio di sabato 22, nel corso della cerimonia di premiazione del 55° Premio Nazionale Letterario Pisa, è consegnato il prestigioso premio speciale “Galeone d’Oro” offerto dal Rotary Club di Pisa.

Il Piacere dell’Onestà vede in scena con Leo Gullotta un cast di ottimi attori come Cloris Brosca (Agata), Martino Duane (il marchese Colli), Paolo Lorimer (Maurizio Setti, cugino del marchese), Mirella Mazzeranghi (Maddalena, madre di Agata) insieme a Antonio Fermi, Federico Mancini e Vincenzo Versari. 

Supersconti per gli abbonamenti (e per chi abbona un amico) entro il 15 luglio

Un teatro sano grazie alla ferma politica di rigore e risanamento portata avanti in questo triennio dal Presidente e dal
Consiglio d’Amministrazione, con il concorso fattivo di tutti gli operatori, e grazie all’impegno dei soci, a partire dai
fondatori (Comune, Provincia e Fondazione Cassa di Risparmio di Pisa); un teatro le cui prospettive di medio periodo
sono stabili; un teatro che nell’ultima stagione ha raggiunto complessivamente più di 50.000 presenze fra attività
proprie e attività ospitate.
Si presenta così la Fondazione Teatro di Pisa oggi, nel momento in cui con largo anticipo illustra i propri cartelloni
2011/12, quattro Stagioni di tutto rispetto – la Stagione Teatrale, la Stagione Lirica, gli Appuntamenti e la Rassegna di
Danza – ricche di spettacoli di qualità, attente alla eterogeneità dei diversi pubblici che gravitano sulla città e
organizzate strettamente all’interno delle reali disponibilità di bilancio.
E questo mantenendo contenuti biglietti e abbonamenti e incrementando le diverse agevolazioni, per far sì che il
Teatro sia davvero un luogo accessibile per tutti.
Confermata, per la Stagione teatrale, la proficua collaborazione con la Fondazione Toscana Spettacolo, una valida
combinazione dalla quale nasce il nuovo cartellone (il terzo concepito insieme) che prenderà il via al Teatro Verdi di
Pisa il prossimo 22 ottobre per chiudersi il 18 marzo. Nove i titoli in programma (con un titolo in più, quindi, rispetto
agli otto delle passate stagioni), che spaziano dalla miglior tradizione (con il pirandelliano Piacere dell’onestà di Leo
Gullotta che aprirà la Stagione il 22 e 23 ottobre 2011, e con l’intramontabile cult strehleriano del Piccolo di Milano
L’Arlecchino servitore di due padroni con Ferruccio Soleri, 3 e 4 dicembre 2011, la cui preziosa presenza nel cartellone pisano è il risultato della forte collaborazione della FTS con lo Stabile milanese), alle diverse declinazioni di temi classici su stilemi contemporanei (L’Avaro del Teatro delle Albe il 21 e 22 gennaio 2012, la Medea di Pamela Villoresi il 4 e 5 febbraio 2012); al teatro brillante, sia esso conciliante (L’Astice al veleno di Salemme il 10 e 11 dicembre 2011 e Colazione da Tiffany con Francesca Inaudi e Lorenzo Lavia il 28 e 29 gennaio 2012), o venato di humour britannico (Due di noi di Michale Frayn con Lunetta Savino e Emilio Solfrizzi il 17 e 18 marzo 2012), o dai sapori d’antan venati di sapiente ironia luciferina (Il Mare di Paolo Poli dai racconti di Anna Maria Ortese il 3 e 4 marzo 2012). Non mancherà, con Pro Patria di Ascanio Celestini (18 e 19 novembre 2011) l’omaggio conclusivo alle celebrazioni per il 150° dell’Unità d’Italia cui il Teatro di Pisa aveva dato i propri contributi con Piazza d’Italia di Baliani e con una partecipatissima Notte Bianca Rossa e Verdi.

Confermata anche la positiva partnership con il soggetto privato, la NonSolo Spettacolo Group, con cui da otto anni la
Fondazione Teatro di Pisa collabora per rispondere alla domanda di spettacoli di intrattenimento e di concerti di
musica pop, rock e d’autore con il cartellone Appuntamenti. Diversi gli eventi in programma: si va dall’anteprima
nazionale delle ripresa della tournèe di Michelle Hunziker con Mi scappa da Ridere (il 5 ottobre) a un fortunato
musical come Happy Days firmato da Saverio Marconi (il 27 e 28 marzo); confermata la presenza ormai classica di
Andrea Buscemi che con la Compagnia delle 12 Lune quest’anno affronta Il Mercante di Venezia (15 novembre);
spiccano i nomi di Antonio Albanese con Personaggi (il 20 dicembre) e di Paolino Ruffini con Tre cuori in affitto (11
aprile); non manca l’attenzione ai bambini, cui saranno rivolti ben due family show: Cenerentola (28 dicembre) e La
Sirenetta (15 aprile). Sul piano musicale, sono in definizione il concerto di una importante rock band italiana (6
dicembre) e un progetto con Franco Battiato (4 aprile). Infine, è confermato anche lo spettacolo di fine anno (31
dicembre), cenone compreso, con uno spettacolo teatrale in via di definizione.
Nuova direzione artistica per la Stagione Lirica (la prima firmata dal baritono Marcello Lippi, nominato ai primi di
gennaio dopo un avviso pubblico indetto per l’incarico) e nuova impostazione del cartellone, che quest’anno guarda al
grande repertorio per avvicinare all’opera un maggior numero di spettatori, grazie anche ad un rafforzamento del
rapporto con i teatri di tradizione toscani (Livorno e Lucca), un rapporto che da quest’anno vede entrare come partner
anche il Festival Pucciniano di Torre del Lago. La Stagione Lirica si aprirà quindi con Cavalleria Rusticana/Pagliacci (29 e 30 ottobre) nella coproduzione di cui è capofila il Teatro Goldoni di Livorno, per la regia di Alessio Pizzech e la
direzione di Jonathan Webb; in novembre sarà la volta di Madama Butterfly (12 e 13), nella coproduzione di cui
capofila è il festival di Torre del Lago, per la regia di Vivien Hewitt e la direzione di Roberto Zarpellon, e di Aida (29 e
30 novembre), in una coproduzione che vede insieme il Teatro di Pisa e la Ramfis Production di Barcellona, per la regia
di Antoine Selva e la direzione di Tullio Gagliardo. In dicembre (16 e 18) andrà in scena Rigoletto in una produzione del Teatro di Pisa che riprende l’allestimento frutto della collaborazione fra Teatro Coccia di Novara, Teatro Donizetti di
Fondazione Teatro di Pisa Bergamo, Teatro De Carolis di Sassari e Teatro del Giglio di Lucca, per la regia di Ivan Stefanutti; sul podio Giuseppe Acquaviva. Il 2012 si aprirà con il nuovo allestimento de La Bohéme (14 e 15 gennaio) frutto della coproduzione fra Lucca, Pisa, Livorno (capofila Lucca) e il Teatro Alighieri di Ravenna. La regia è di Marco Gandini; il direttore è in fase di definizione. Non mancherà il consueto appuntamento con Opera Studio, che quest’anno lavorerà sull’Opera da Tre Soldi di Kurt Weill/Bertolt Brecht. La nuova coproduzione, che concluderà un lungo percorso laboratoriale di preparazione con i giovani cantanti e maestri collaboratori selezionati come sempre su bando, debutterà a Livorno (quest’anno teatro capofila).

A Pisa sarà in scena l’11 e 12 febbraio (con la recita dell’11 inserita nella Stagione dei Concerti della Normale, come già negli anni scorsi per gli altri frutti di Opera Studio).
In chiusura, due dittici. Il primo, che guarda a composizioni meno frequentate ma di notevole valore musicale (lo
Zanetto di Mascagni e Mozart e Salieri di Rimskij Korsakov, in scena il 25 e 26 febbraio in una nuova coproduzione del Teatro di Pisa e del Teatro Goldoni di Livorno); il secondo che guarda ai bambini e ai ragazzi (Der Schulmeister di Telemann, abbinato a Esopo Opera Rock, musical per bambini ormai storico, firmato da Sergio Maifredi su libretto di Stefano Curina e musiche di Bruno Coli, fiore all’occhiello dal 1999 al 2007 fra le produzioni per bambini del Teatro della Tosse; a Pisa in scena il 21 e 22 aprile con un coinvolgimento attivo delle scuole cittadine).

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Alessandro Gassman chiude il Cartellone di Prosa con Roman e il suo Cucciolo

La Stagione di Prosa 2010/2011 del Teatro Verdi chiude i battenti. Lo fa con l’ultimo, attesissimo spettacolo dal protagonista di grande richiamo: Alessandro Gassman, martedì 22 e mercoledì 23 marzo alle 21 è in scena con Roman e il suo Cucciolo, ancora autore della regia e interprete del ruolo principale dopo La Forza dell’Abitudine di Bernhard e La parola ai giurati di Lumet, quest’ultimo a Pisa due stagioni fa.

La scelta di Gassman cade su un altro testo di notevole spessore. Cuba & his Teddy Bear fu scritto nel 1986 dal drammaturgo statunitense Reinaldo Povod, figlio di una portoricana e di un cubano di origini russe, e sulle scene di New York, con Robert de Niro protagonista, ottenne subito un enorme successo. Il testo originale è ambientato in una comunità di latinos e imperniato sui contrasti tra ispanici e statunitensi per lo spaccio e l’uso di droga. Gassman e il drammaturgo Edoardo Erba, che ha curato l’adattamento italiano, hanno invece deciso di collocare la vicenda nella periferia di una delle nostre grandi città, all’interno di una comunità rumena. Roman è infatti un rumeno che vive a Roma da diversi anni, arrogante e quasi analfabeta, arricchitosi grazie agli illeciti traffici di cocaina e marijuana. La moglie è fuggita ai Caraibi, lasciandolo con il figlio Cucciolo quasi diciottenne. Cucciolo vive in un mondo fatto di affari sporchi, droga, prostituzione, soldi facili che si alternano alla povertà, amicizie di sangue, liti furibonde e minacce di morte. Un mondo dove “ti rispettano per quello che sembri all’apparenza esterna”, come Roman precisa al figlio che però si scoprirà non esservi così distante.

Roman e il suo Cucciolo è un dramma contemporaneo, familiare e sociale, intenso e coinvolgente, che con sguardo neutrale e non ideologico affronta l’attualissimo tema dell’immigrazione e della difficile accettazione dell’altro. Dall’inizio della tournée ha convinto pubblico e critica, per la potenza della storia e la forza incredibile con cui Gassman e tutti gli attori si impongono dal palco. Oltre al protagonista, il cast è composto da Giovanni Anzaldo (Cucciolo), Manrico Gammarota (Geco), Sergio Meogrossi (Che), Matteo Taranto (Dragos), Natalia Lungu (Lourdes), Andrea Paolotti (Pusher). Le scene sono di Gianluca Amodio, i costumi di Helga Williams, le musiche di Pivo & Aldo De Scalzi, le luci di Marco Palmieri, il sound design di Massimiliano Tettoni, le istallazioni di Marco Schiavoni.

Ambra Angiolini

La Stagione di Prosa 2010/2011, forte del successo di pubblico riscontrato finora, si avvia verso la conclusione del cartellone con il penultimo appuntamento in programma questo weekend. I Pugni in Tasca, nuova produzione del Teatro Stabile di Firenze, è in scena al Teatro Verdi sabato 12 marzo alle 21 e domenica 13 marzo alle 17. Lo spettacolo ha debuttato a gennaio ed è considerato una delle novità più attese di questa stagione. L’autore è Marco Bellocchio, che ha riscritto per il teatro la sua opera prima, il celebre film che nel 1965 lo lanciò al successo internazionale. Un cult quasi profetico, reso tale dall’analisi impietosa di relazioni familiari caratterizzate da una totale aridità di affetti e da un’ostentata assuefazione al conformismo.

Al centro della storia, drammatica e claustrofobica, sono le devastanti dinamiche che intercorrono tra una madre cieca e bigotta e i suoi quattro figli. Alessandro, il più arrabbiato. Giulia, annoiata, incostante e innamorata dell’idea dell’amore. Leone, tarato mentalmente e fisicamente. Augusto, il più fermo all’apparenza, ma non certo il più felice. Un intreccio familiare che sfocerà in una tragedia.

Protagonisti sul palco sono Ambra Angiolini e Pier Giorgio Bellocchio, nei ruoli di Giulia e di Alessandro che nel film furono di Paola Pitagora e Lou Castel. La regia è di Stefania De Santis, le musiche sono del grande Ennio Morricone, le scene di Daniele Spisa, i costumi di Giorgio Armani. Tutti elementi per cui I Pugni in Tasca si preannuncia uno spettacolo di notevole interesse, oltre che per la risonanza del famoso film e per la tensione quasi insostenibile che riempie la storia.

Il commento di Marco Bellocchio: “Io oggi penso a I pugni in Tasca come a un dramma della sopravvivenza in una famiglia dove l’amore è del tutto assente. Si vive in un deserto di affetti senza nessuna prospettiva per il futuro, una situazione di immobilità assoluta che fa pensare a un carcere o a un manicomio senza speranza di guarigione, rieducazione, riabilitazione, rinascita ecc ecc. Manicomio o carcere interiori perché non ci sono sbarre e le porte sono aperte. Immobilità, inerzia, ripetitività. Ma come in tutti i drammi ad un certo momento Alessandro, il protagonista, farà una cosa. Le continue fantasticherie a cui si abbandona tutto il giorno quasi per caso gli offriranno una possibilità concreta. La possibilità di compiere un delitto. Si accende un motore e da quel momento la sua vita prenderà velocità e come nell’apprendista stregone il guidatore perderà ogni controllo e finirà per sfracellarsi… I delitti de I pugni in Tasca, se si fa un minimo sforzo di immaginazione, possiamo leggerli o vederli tutti i giorni sui giornali e in televisione in cui immancabilmente i vicini di casa dell’assassino non riescono a spiegarsi come quella tal persona così normale un giorno improvvisamente abbia fatto una strage e poi, ma non sempre, si sia suicidato…”

In scena, al fianco dei protagonisti, troviamo Giovanni Calcagno (Leone), Aglaia Mora (Lucia, fidanzata di Augusto), Fabrizio Rongione (Augusto) e Giulia Weber (la Madre).

Per ulteriori informazioni: Teatro di Pisa, tel. 050/941111.